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viernes, 31 de julio de 2020

Análisis de 'Eyes wide shut', la última película de Kubrick.

'Eyes wide shut', estrenada en 1999 y protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, fue la última película del director Stanley Kubrick.

Analizamos la película más erótica y onírica de uno de los grandes del cine, inspirada en el libro 'Relato soñado', de Arthur Schnitzler.

analisis

La crítica y la audiencia se esperaba que esta cinta se tratase de una película más erótica de lo que fue. Así lo daba a entender el trailer, que mostraba la escena con los dos protagonistas besándose desnudos ante el espejo. Quizás por eso la opinión general fue de decepción cuando se estrenó. No se trataba de una película pornográfica, que era lo que esperaban. Sin embargo, con el tiempo, análisis más profundos de 'Eyes wide shut' han acabado por darle el reconocimiento que se merece.

En la cinta, Kubrick utiliza el sexo como un medio para reflexionar sobre otro asunto bastante diferente: las relaciones de manipulación entre personas de distinto nivel social. Expliquemos esto revisando un poco el argumento de la película:

Argumento de 'Eyes wide shut':


Alice (Nicole Kidman) le dice a su marido, el doctor Bill (Tom Cruise) que ha tenido sueños y fantasías sexuales con otro hombre. A raíz de esto, él emprende una odisea por las calles de Nueva York en busca de sexo. Durante este viaje, Bill se encontrará con dos tipos de personas.

1. Las que están por encima suya en la escala social. Destaca Ziegler (el hombre rico que organiza la fiesta del principio de la película) y, en general, los miembros de la secta de las orgías. Bill intenta pertenecer a ellos y unirse a la organización, pero ellos lo rechazan y casi lo 'castigan'. En la escena del final en la mesa de billar, Ziegler le dice al doctor que deje de investigar, que no se entrometa en los asuntos de la secta. No tiene derecho a cuestionar a los que están por encima de él.

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2. Las que están por debajo suya en la escala social. Es el caso de Domino (la prostituta), el hombre de la tienda de disfraces, el taxista que lo lleva hasta la orgía... Bill utiliza constantemente su título de doctor y el soborno para obtener lo que sea de ellos. 

En esta categoría podemos incluir también a Alice, la esposa. Bill y los hombres de la película en general mantienen un comportamiento machista. El personaje interpretado por Kidman solo es apreciado por todos gracias a su belleza física. Su finalidad, su labor, es mantenerse hermosa. Lo vemos al principio de la película, cuando se van intercalando imágenes de Bill trabajando con sus pacientes y planos de Alice arreglándose, peinándose, etc. El trabajo de Bill es ganar dinero, el de Alice es mantenerse guapa.

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El final de 'Eyes wide shut'.


Hablemos ahora del final de la película, con esa famosa última frase. ¿Por qué decide Kubrick acabar así la cinta? (Es divertido pensar que la última palabra de toda su filmografía es 'fuck').
 
Este final nos demuestra que los dos protagonistas no han aprendido nada durante todo el proceso de la película. A lo largo del film ambos han podido darse cuenta de que aquellos que tienen una posición privilegiada con respecto a ellos cometen abusos. Para Bill los privilegiados son los más ricos, la élite. Para Alice, atrapada en un matrimonio machista, el privilegiado es su esposo.

Pero al final ninguno de los dos hace nada para cambiar esa situación de abuso. Porque igual que esa sociedad permite que otros se aprovechen de ellos, ellos pueden aprovecharse de los que están por debajo. Bill utiliza el dinero para sentirse superior a los demás (es evidente en la escena con Domino). La belleza femenina de Alice, por su parte, puede ser también un instrumento de poder en una sociedad machista.

Toda la película es, al fin y al cabo, una metáfora sobre el sistema, y sobre por qué funciona. Es fácil explotar a la gente siempre y cuando ellos a su vez tengan alguien a quien explotar. Los hechos se desarrollan en Navidad (todo una fiesta del consumismo) para reforzar la idea de que, en realidad, la película habla más de capitalismo que de sexo.

Un par de fuentes y enlaces de interés:

domingo, 31 de mayo de 2020

Qué simboliza el gato de Desayuno con diamantes.

Análisis de Desayuno con diamantes, la película basada en el libro 'Desayuno en Tiffany's', de Truman Capote.

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Analizamos qué significa el gato sin nombre de Holly Golightly (Audrey Hepburn).

Ya nos lo demostraba Deep Blue Something en su éxito de 1996, a todo el mundo le gusta Desayuno con diamantes. Quizás por eso creo que es una buena elección para empezar mi nueva serie de películas inspiradas en libros.

Breve argumento de la película.

Holly Golightly es una mujer caótica y extravagante. Cada mañana desayuna frente al escaparate de la joyería Tiffany, aunque no puede permitirse comprar nada. Tiene un gato sin nombre.

La joven conoce a su vecino Paul Varjak, escritor, y se enamora de él.  A lo largo de la película se narra la evolución de su relación -entre otras cosas.

El gato sin nombre de Holly Golightly.

La protagonista no le pone nombre al gato porque, dice, eso haría que el animal le perteneciese. Ella prefiere no ser su dueña, y así lo explica:

"Somos un par de seres que no se pertenecen, un par de infelices sin nombre, porque soy como este gato, no pertenecemos a nadie. Nadie nos pertenece, ni siquiera el uno al otro".

Sin embargo, llega a admitir que hay una situación en la que podría llegar a nombrar al gato:

''Cuando me siento así, lo único que me ayuda es subir a un taxi e ir a Tiffany's. Allí no puede ocurrir nada malo. Si encontrara un lugar que me hiciera sentir como Tiffany's entonces compraría muebles y le daría un nombre al gato".

¿Es este animal adorable solo una anécdota en la película, o tiene más trasfondo? Lo analizamos.

Alerta: spoilers. Se recomienda haber visto la película (by the way, está en Netflix).

El gato sin nombre de Holly Golightly representa la forma en que la protagonista trata al amor. Más en concreto, representa su relación con Paul Varjack.
 
Al principio de la película, a nuestra Audrey el amor le produce cierto rechazo. Al menos el amor en el sentido más convencional, pues rechaza el compromiso y la posesión. 

Holly mantiene una identidad falsa, que la desvincula de su pasado y de cualquier atadura. Teme que enamorarse pueda amarrarla.  La frase sobre su gato que ya hemos citado antes también podría dirigirla a sus amantes: ''somos un par de seres que no se pertenecen, un par de infelices sin nombre''.

Una referencia a que el gato simboliza la relación de la protagonista con Varjak la vemos en la escena de las máscaras. En un momento de la película, los dos enamorados entran en una tienda de disfraces y roban dos caretas. La suya representa a un perro, y la de ella... a un gato.

Este rechazo por el compromiso queda evidenciado también en esta conversación con Paul:

- Si tuvieras dinero, me casaría contigo al instante. ¿Harías lo mismo?

- Al instante.

- Por suerte, ninguno de los dos es rico.

El dinero es lo único que podría hacer que Holly estuviese dispuesta a comprometerse. Solo se casará a cambio de poder ir a Tiffany's y comprar allí. Porque en ese lugar no puede ocurrirle nada malo. O, lo que es lo mismo, porque si tuviese dinero no podría ocurrile nada malo.

En efecto, Gollightly rechaza a Paul para casarse con José Pereira, un brasileño adinerado. Al final de la película se monta en un taxi para ir al aeropuerto, donde un avión lo llevará al país de su prometido. Paul se sube al vehículo con ella, intentando convencerla para que no se marche. En el taxi, el escritor y la joven discuten. ''Te quiero y me perteneces'', dice él, sabiendo que ella lo ama y que se va a casar con Pereira por dinero. ''Las personas no pertenecen a nadie, responde ella (...) Somos un par de seres que no se pertenecen, un par de infelices sin nombre, porque soy como este gato, no pertenecemos a nadie. Nadie nos pertenece, ni siquiera el uno al otro'' - aquí sale esta frase que tanto he mencionado durante el artículo jeje.

En ese momento, ella detiene el coche y abandona al gato en la calle. Poco después, Paul vuelve a parar el vehículo y se baja. ''Tienes miedo de decir: las personas se pertenecen las unas a las otras porque es la única manera de ser feliz''. Aquí queda muy claro que la manera en que Holly trata a su gato también la ha aplicado a Paul.

Él se marcha, y unos segundos después ella se baja del taxi y corre a buscarlo. Se lo encuentra buscando al gato en el callejón donde ella lo había abandonado. Llorando, Holly llama al felino. Finalmente, el animal aparece, y ella lo abraza y lo besa. Luego, mientras suena Moonriver de fondo, hace exactamente lo mismo con Paul. Y es que ambos personajes, el gato y Varjak, representan como evoluciona la forma en que Gollightly se relaciona con aquellos a los que ama.

Fuentes:



sábado, 22 de junio de 2019

¡Oh, capitán mi capitán! Los Poetas Muertos y Whalt Withman.

La frase más famosa de la película 'El Club de los poetas muertos' es un poema de Whalt Whitman.

Análisis de la poesía 'Oh capitán, mi capitán', dedicada a Abraham Lincoln.

barco-horizonte

¡Oh capitán, mi capitán!


¡Oh capitán, mi capitán! Nuestro espantoso viaje ha terminado,
la nave ha salvado todos los escollos, hemos ganado ya el anhelado premio.
Próximo está el puerto, ya oigo las campanas y el pueblo entero que te aclama,
siguiendo con sus miradas la poderosa nave, la audaz y soberbia nave;
mas, ¡ay! ¡oh, mi corazón, mi corazón!
No ves las gotas rojas que caen lentamente,
allí en el puente donde mi capitán
yace extendido, helado y muerto.

¡Oh capitán! ¡Mi capitán!Levántate y escucha las campanas;
levántate -para ti la bandera está izada- por ti suenan los clarines,
para ti estos búcaros y coronas adornadas -por ti las costas son abarrotadas,
por ti vitorea, la masa balanceante, girando sus rostros ansiosos;
¡Aquí capitán! ¡Querido padre!
¡Deja pasar este brazo bajo tu cabeza!
Debe ser un sueño que sobre la cubierta
hallas caído frío y muerto.

Mi capitán no contesta, sus labios pálidos e inmóviles,
mi padre no siente mi brazo, no tiene pulso o voluntad,
el barco está anclado, sano y salvo, viaje cerrado y concluso.

Este poema lo escribió el poeta norteamericano Whalt Whitman. Está dedicado a Abraham Lincoln, pues fue escrito tras el asesinato de este

Cuenta la historia de un barco que consigue llegar a puerto tras una tormenta. Sin embargo, el capitán ha muerto durante la travesía. Ha dado la vida porque la nave llegue sana y salva.

El poema, por supuesto, es más profundo que esto. En mi opinión, nos lleva a hacernos una pregunta en concreto: ¿realmente merece la pena perder la vida por algo que no viviremos? El capitán del barco, como Abraham Lincoln, luchó batallas en busca de unos resultados que nunca llegó a ver. Entonces, ¿tuvo algún sentido pelear?

El club de los poetas muertos.

(Atención: puede contener spoilers. Lea bajo su propia responsabilidad😆).

Argumento de la película.


El profesor de lengua John Keating llega a un prestigioso internado inglés en le que él mismo estudió. En la primera clase, Keating lee a los alumnos este poema de Whalt Whitman. Además, les pide que, si se atreven, lo llamen 'Oh capitán, mi capitán!'. 

Poco a poco, enseña a los alumnos a ver la vida de otra manera, les habla del carpe diem, del amor por la poesía... Varios de sus alumnos deciden imitar una idea en la que participó Keating de joven. Fundan así el 'Club de los poetas muertos', en el que leen poesía que a veces hasta escriben ellos mismos. (Eso sí, si los poemas los escriben ellos mismos, lo de 'poetas muertos' pierde el sentido... ¿O es que son zombies...?).

ATENCIÓN: ALERTA SPOILER NIVEL MÁXIMO... ¡PRECAUCIÓN!

Al final de la película, uno de los chicos del grupo, animado por las ideas del profesor, decide dedicarse a su sueño: el teatro. Sin embargo, a sus conservadores padres les hace tanta gracia como un libro de Kant, y se lo prohíben. Al ver su sueño arruinado, el joven se suicida.

Injustamente, el internado decide echar a Keating, usándolo como chivo expiatorio. El clímax de la película tiene lugar cuando sus alumnos lo ven cuando se está marchando definitivamente de la escuela. En ese momento, en mitad de clase, uno de ellos se levanta y grita: 'Oh capitán, mi capitán!

Después, se le van uniendo más y más alumnos, que se suben a las mesas. Mientras tanto, el profesor que les estaba dando clase se pone de los nervios y grita como un poseso. Finalmente, Keating se va, ilusionado y dándoles las gracias.

Aquí puedes ver la escena completa:



En esta escena se  vuelve a la pregunta que planteé antes. ¿Merece la pena sacrificarse por algo que no viviremos? Keating se sacrifica por la libertad de sus alumnos. El profesor ha perdido: al final, a pesar de todo, deja la escuela. Sin embargo, sabe que sus alumnos, aunque no lo puedan ver más, recordarán para siempre sus lecciones.

Keating ha conseguido su objetivo: abrir la mente de sus alumnos. Sin embargo, ha perdido todo lo que tenía. ¿Merece la pena, entonces, o no? Responded en los comentarios :).

Hay otro tema interesante que se trata en el poema y en la película. ¿Hay que morir -literal o figuradamente- para ser héroe? Para que lo ovacionasen, el profesor tuvo que ser expulsado. Para que le escribiesen un poema, Lincoln tuvo que morir. La palabra 'héroe' -o 'capitán'- está a menudo asociada a la muerte de la persona hacia la cual se dirige.

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¿Es necesario morir para ser héroe?


¿Estáis de acuerdo con mi análisis? ¿O pensáis que no vale un duro? ¡Nos vemos en los comentarios, penséis lo que penséis! Hasta luego, nos vemos pronto, con poesía y mucho más!!!!


domingo, 24 de febrero de 2019

El 'libro verde' de Green Book exisitió realmente.

Descubre qué era el 'libro verde para el conductor negro' que aparece en 'Green Book'.

La historia real de la guía que dio nombre a la película protagonizada por Vigo Mortensen y Mahershala Alí.

Green Book se ha convertido en una de las películas del invierno 2018-2019.
La película 'Green Book', de 2018, cuenta la historia real del guardaespaldas y chófer Tony 'Lip' (Mortensen), un italiano racista. El local donde trabaja cierra, y el único empleo que consigue encontrar es hacer de conductor para Don Shirley, un pianista negro. 

El chófer deberá llevarlo en la gira que va a realizar por el Sur Profundo de los años sesenta. Un entorno racista y peligroso, para el cual necesitan una guía. Y esa guía es 'El libro verde para el conductor negro', que recoge aquellos hoteles y establecimientos a los que los negros pueden acudir. 

Esta es la curiosa historia de ese manual.

¿Por qué era necesario el libro verde?

La película se ubica en el año 1962. Por aquel entonces todavía estaban vigentes las 'leyes de Jim Crow'. Dichas leyes establecían la segregación racial en el sur de EEUU, hasta su abolición en 1965.

Debido a esta ley, los blancos y los negros estaban separados en los espacios públicos (fuentes, cuartos de baño...). Además, muchos comercios podían negarse a aceptar gente de color.

Sencillamente, si no te leías bien el libro, podías no salir vivo del próximo bar en el que entrases.


¿Por qué se llamaba sí el 'libro verde'?

Primero, porque la cubierta era verde (qué rebuscado, ¿no?😒). Aunque probablemente eligieron este color -y no otro-  porque el autor se llamaba Victor Hugo Green (green = verde en inglés). 

Green era un cartero de Harlem (Nueva York). Para conseguir la información utilizó lo que otros compañeros de profesión le contaban. 


¿Por qué decidió Green hacer el libro?

Victor H. Green no era verde, a pesar de que su apellido indique lo contrario😂. Era negro, que en los EEUU de los 60 era peor. Harto de que un viajecito en coche pudiese ser una película de Indiana Jones, decidió tomar medidas. (Por cierto, hablando de Idiana Jones, ¿sabías que van a hacer una quinta película?).

Con la ayuda de muchos carteros, busco lugares que aceptasen a negros por todo el Estado de Nueva York. Lo puso todo en un libro, y este tuvo tanto éxito que pronto se hizo otra versión a nivel nacional. 

El libro se esparció a ritmo de meme y llegaron a imprimirse 15.000 ejemplares al año. Victor acabó viviendo de ello, y montó su propia agencia de viajes. Se siguieron imprimiendo tras su muerte, hasta 1967, dos años después de la abolición de las leyes de segregación racial.

El libro ayudó a favorecer el uso del coche por parte de los negros, además de facilitarles un poco la vida. Sin embargo, también tuvo críticas. Muchos se quejaban de que animaba a acomodarse a las leyes racistas en lugar de luchar por eliminarlas. 

Hasta aquí la entrada de hoy. Hasta pronto! Nos vemos en el blog!

Fuentes:

domingo, 28 de octubre de 2018

Frankenstein: por qué el libro no se parece a las películas en nada.

Frankenstein, el libro contra la película.

Analizamos las diferencias entre la novela de Mary Shelley y las adaptaciones cinematográficas del libro.

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Frankenstein o el moderno Prometeo -ese es su título original- lo escribió Mary Shelley cuando solo tenía dieciocho años. Es por eso que, si tenemos en cuenta solo la calidad de la escritura, no es que sea gran cosa. En cambio, la trama sí encierra una reflexión importante sobre la vida y la condición humana. 

El título compara a Víctor Frankenstein, el creador del bicho, con Prometeo, un ser de la mitología griega que entregó el fuego, que antes era posesión de los dioses, a los humanos. El científico viene a hacer algo parecido pero con la capacidad de otorgar vida.

Frankenstein inauguró el género de la ciencia ficción, es por eso que es tan importante. Muchas adaptaciones cinematográficas han cambiado la imagen que tenemos de ella, y ahora lo que la gente cree que es Frankenstein se parece a lo que realmente es lo que un huevo a una castaña. Vamos a ver por qué.

Películas.

Todos tenemos en mente la imagen del Frankenstein del cine. Dos tornillos, la cara de empanado de un niño en clase de física, verdoso. Todos recordamos como a Víctor Frankenstein, un chaval un poco pirado, le da por crear un ser humano a partir de trozos de cadáveres con a ayuda de su amigo jorobado. Sin embargo, se equivoca y le pone el cerebro de un criminal. Lo sube al tejado una noche de tormenta, le da un rayo, el bicho se despierta y empieza a cargarse a gente como quien mata a un mosquito. ¿No?

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Como quien mata a un mosquito.

Libro.

Robert Walton es un explorador camino del polo norte que se encuentra con un tal Víctor Frankenstein que busca a una criatura de dos metros y medio. Entonces Víctor comienza el relato de su historia.

Frankenstein es un chaval que encuentra la manera de crear un ser humano de la nada. Decide crear un hombre ideal con partes de cadáveres (tal vez lo único que concuerda entre ambas historias). Pero eso del cerebro de criminal... como que no. Tampoco se dice que le dé vida con un rayo (de hecho, se supone que el científico no da detalles para evitar que nadie repita el experimento).

Su 'amigo jorobado' es es en realidad su compañero Clerval, de espalda completamente normal.

El monstruo no es un idiota psicópata, es un ser que le coge odio a su creador porque lo ha creado feo y solo. Aunque intenta entender a la raza humana, estos lo desprecian. El bicho le pide al científico que le cree por lo menos una novia que lo acompañe, y al negarse Víctor varias veces, el monstruo acaba empezando a matar a sus familiares como venganza. El científico persigue al monstruo hasta el ártico, y esto nos lleva de nuevo al principio.

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El ártico es donde la historia empieza y acaba.


Sin embargo...

Sin embargo no todas las películas son iguales. De la que os he venido hablando es la primera y más icónica, la de 1931. En esta película -y muchas otras- se hizo una verdadera matanza de la historia original para hacerla más comercial y entretenida -desde su punto de vista.

Pero como excepción está la versión de Kenneth Branagh y Ford Coppola de 1994, film en el que Robert de Niro encarna al monstruo. En esta época, sobretodo por parte de Coppola, se estaban haciendo versiones cinematográficas de libros de terror, como Drácula, de Bram Sotker.

La película sigue casi a rajatabla el libro, pero meten la pata en detalles menores. Por ejemplo, en el libro Víctor crea el monstruo por razones que no pasan de la ciencia En la película, el científico está obsesionado con la muerte de su madre y quiere revelarse contra la muerte.

Además, en el libro, cuando el monstruo le pide a Víctor una esposa, al principio el doctor acepta para salvar a su prometida, pero después se arrepiente. En la película, en cambio, el científico ni se lo piensa y se ríe en su cara (a ver, no literalmente, simplemente le dice que no). Además, en la película, el monstruo le lleva el cadáver de una de sus propias víctimas, Justine, para que le haga a la novia. Es esta la causa principal de que Frankenstein se niegue. Claro que todo esto comparado con lo de la versión de 1931 no es nada.

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La soledad del monstruo, uno de los temas principales de la historia.



Si no habéis leído la novela, yo os animo a hacerlo. Aunque ya os he dicho que a nivel literario no es para tirar cohetes, sí es entretenida y profunda.

Tal vez queráis saber más sobre terror o Halloween.

Si os ha gustado, leed más entradas y, sobre todo, seguidme. Para mí es importante y me motiva a continuar con esto cada semana. Nos vemos pronto!

lunes, 15 de octubre de 2018

Cómo escribir mejor con Forrest Gump y sus consejos.

Aprende a mejorar tu escritura para escribir mejores cuentos, relatos y novelas.

Consejos útiles para mejorar tu escritura creativa con frases de la película Forrest Gump.


Hoy voy a darte algunos de los consejos sobre escritura creativa que he ido aprendiendo con el tiempo, por medio de las frases inolvidables de la peli Forrest Gump.

Para quienes no lo sepan, Forrest Gump es un joven con un ligero retraso mental, pero esto no le impedirá ver muy de cerca -y a veces como casi protagonista- algunos de los sucesos más importantes de la historia. 

Conocerá a Elvis de niño y le enseñará un paso de baile que hará famoso al cantante, será condecorado por salvar a sus compañeros en el Vietnam, se hará millonario con una empresa de gambas, como le prometió a su amigo Bubba, que murió en le frente, y será todo un amo del ping-pong mundial... 

Una película bella y profunda con muchas frases memorables, como la famosa 'la vida es como una caja de bombones: nunca sabes cuál te va a tocar'. 

La vida es como una caja de bombones... - Youtube.

De esta y otras frases podemos aprender mucho a la hora de escribir...

Las lecciones para ser un mejor escritor:


  • 1.'Mamá decía que leer un relato es como una caja de bombones: nunca sabes cuál te va a tocar'.
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Leer un libro esperándote lo que va a pasar es como que te hagan spoiler. Te recomiendo que plantees un pequeño misterio en cada capítulo y lo resuelvas al final de manera sorprendente. Otros misterios, claro, deben permanecer ocultos todo el tiempo posible, para sacarlos en los últimos capítulos.


  • 2.'Mamá decía que escribir una novela no es como una caja de bombones: siempre debes saber qué vas a escribir hasta el final'.


Si quieres escribir una novela o un cuento lo mejor es que no dejes nada al azar desde el principio, al menos no lo más importante. Debes saber desde donde comienzas, hacia donde vas, y por dónde vas a pasar.



  • 3.'Corre, Forrest, corre'.
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Es mejor no tardar mucho cuando quieras escribir tu libro o tu relato. La manera de escribir de cada cual varía con el tiempo, y si te lo tomas con demasiada calma, cuando vuelvas a leer los primeros capítulos tirarás el ordenador por la ventana de lo horribles que te parecerán. Además, cuanto más tiempo tardes, más probabilidades hay de que te desesperes y lo dejes. 

  • 4.'Recorrí un largo camino, durante mucho tiempo'.
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Sin embargo, por muy rápido que escribas, no será fácil. Debes creer en el esfuerzo y seguir adelante con fuerza de voluntad y ganas.

  • 5.'Mamá decía que puedes saber mucho de las personas por los zapatos que usa'.
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Igualmente, debemos saber quién es el escritor por el estilo que utiliza. Busca tu estilo, pero no lo fuerces, e intenta evitar imitar a otros -aunque a veces un poco de inspiración no viene mal-, el objetivo es que te reconozcan solo por tus palabras, tus 'zapatos'.

  • 6.'Aquel día, sin ninguna razón en particular, decidí salir a correr. Corrí hasta el final del camino, y cuando llegué, pensé que tal vez podía correr hasta el final del pueblo. Y cuando llegué, pensé que tal vez podía correr hasta el condado de Greenbow. Noté que si había llegado tan lejos, tal vez podía correr a través del gran estado de Alabama. Corrí derecho hasta el océano. Y cuando llegué, noté que ya había llegado lejos, y que tal vez debería dar la vuelta y continuar corriendo...'

No desperdicies tus ideas. Igual que Forrest decidió salir a correr un día y no paró durante tres años, a ti se te puede ocurrir una idea pequeñita, tal vez para un cuento corto. Y la idea empieza a hacerse más grande, empieces a pensar en escribir un cuento mejor y más largo, y finalmente acabes escribiendo una gran novela que se considere una obra maestra. 

Deja que el tiempo haga su efecto, ¡y tus ideas crecerán como bolas de nieve!



Esto ha sido todo por hoy, nos vemos muy pronto con más literatura, curiosidades, consejos, libros, poemas y demás cositas...

¡Ah! Me falta una última frase. El general Dan le dice a Forrest tras mucho tiempo sin verle: 'Nunca te he dado las gracias por salvarme la vida'. Si crees entonces que yo te he ayudado, dame las gracias:

Si os ha gustado, pasaros por el blog para leer más entradas, y seguidme para apoyarme y animarme a continuar, que para mí es muy importante. ¡Hasta la vista, baby!

jueves, 4 de octubre de 2018

El curioso origen de 'Lágrimas en la lluvia', el final de 'Blade Runner'.

'Lágrimas en la lluvia', el monólogo final del replicante Roy Batty en 'Blade Runner'.

El monólogo de muerte más famoso de la historia del cine fue improvisado por el actor. ¿Qué significa?

'He visto cosas que vosotros ni creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad, cerca de la puerta de Tannhäuser. Ahora todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.'

'I've seen things you people wouldn't believe. Attack ships on fire on the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the darkness, near the Tannhäuser Gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die.'


Monólogo final de 'Blade Runner' - Youtube.

Atención: spoiler.

El replicante Roy Batty (interpretado por Rutger Hauer) acaba de salvarle la vida a Rick Deckard (Harrison Ford), después de que este lleve toda la película intentando cargárselo. El replicante está a punto de palmarla, y pronuncia este discurso al borde de la muerte.

Pero para entender todo esto es necesario que os explique un poco de qué va 'Blade Runner', por si acaso todavía no la habéis visto.

Argumento de la película.

Los replicantes son unos robots iguales en apariencia a los humanos, pero mucho más fuertes e inteligentes, y los humanos los usan para tareas duras en el espacio exterior. El más avanzado es el último modelo, los Nexus 6, que presentan un pequeño problema: con el tiempo son capaces de desarrollar emociones y sentimientos. Para evitar esto, la Tyrell Corporation, la empresa que los fabrica, los dota con solo cuatro años de vida. 

El problema surge cuando varios replicantes de edad avanzada y que ya están empezando a tener dichas emociones primitivas se escapan de la nave donde trabajan y llegan a la Tierra para desencadenar una oleada de crímenes con la que quieren conseguir llegar al jefe de la Tyrell para que evite su cercana muerte.

La película comienza cuando el ex agente de policía Rick Deckard debe volver a su profesión para localizar y 'retirar' a los Nexus 6 fugados (lo que viene a ser, sencillamente, cargárselos), después de que su sustituto fuese asesinado por uno de ellos mientras le realizaba el llamado test Voight-Kampff

Este es el nombre que recibe la famosa prueba para detectar a los replicantes, haciéndoles múltiples preguntas mientras se observa el efecto de estas en la dilatación del iris y otras funciones corporales.

Descubre con este test si eres un replicante o un humano. Lo más curioso es que a mí me dijo que soy replicante...

Deckard se reúne con Tyrell, el creador de los robots y cuyo apellido da nombre a la empresa, y este le pide que, para ver cómo trabaja, le haga el test a su secretaria, Rachel. Deckard descubre que se trata de una replicante, aunque ella todavía no lo sabe: le han implantado recuerdos falsos.

Poco a poco, la investigación de Rick va cerrando el cerco alrededor de los replicantes, que empiezan a caer uno a uno. Al mismo tiempo, la relación entre el policía y Rachel se va estrechando. Se enamoran, y él le confiesa que ella es en realidad un robot.

Finalmente, tras una persecución final, el jefe de los replicantes, llamado Roy Batty, es el único de los fugados que queda. Siente como poco a poco su organismo funciona peor: han pasado los cuatro años y le quedan pocos minutos para morir. Deckard y él pelean hasta que el policía esta a punto de caer desde la terraza de un edificio, y el robot le agarra la mano y lo salva. Es entonces cuando dice la popular frase.

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Como lágrimas en la lluvia...


Cómo surgió el monólogo.

Hay quien dice que esta frase se inspiró en el poema del francés Arthur Rimbaud 'El barco ebrio', en el que se narran visiones fantásticas que se tienen desde el susodicho barco, y en el que encontramos fragmentos sobre este:

¡Vi fermentar pantanos enormes, como trampas
donde se pudre en medio del junco el Leviatán!
Vi deslizarse el agua por misteriosas rampas
y vi los horizontes que hacia el abismo van.

Además, el monólogo que aparece en el film lo adaptó el propio Rutger Hauer para darle mayor expresividad al texto, que en su opinión contenía demasiado vocabulario tecnológico y fantástico. Así que, con nocturnidad y alevosía, la noche antes de grabar la escena, cambió un par de frases sin que nadie se enterase y, al día siguiente, en el rodaje, su interpretación provocó un aplauso unánime de los allí presentes.

El texto antes del afortunado destripamiento al que Hauer la sometió era algo así:

'He conocido aventuras, he visto cosas que vosotros nunca veréis... ¡He ido más allá de las fronteras del mundo exterior y he vuelto! He estado en el nivel trasero de un límite intermitente hacia los campos de Plutition con sudor en mis ojos por ver las estrellas luchar en el hombro de Orión. He sentido viento en mi pelo, montando en naves de prueba cerca de las galaxias negras, he visto flotas de ataque quemarse como una cerilla y desaparecer. He visto todo eso... ¡lo sentí!
Traducido aproximadamente del inglés:

'I have known adventures, seen things you people will never see. I've been Offworld and back... frontiers! I've stood on the back deck of a blinker bound for the Plutiotion Camps with sweat in my eyes watching the stars fight on the shoulder of Orion. I've felt wind in my hair, riding test boats off the black galaxies and seen an atack fleet burn like a match and disappear. I've seen it... felt it!'
Sin embargo, no sabemos muy bien si parte de las variaciones entre la versión original y la definitiva se deben a un cambio de guión posterior, y el actor solo añadió una parte, aunque está muy claro que sí que es suya la frase 'Ahora todos esos recuerdos desaparecerán como lágrimas en la lluvia'.

¿Qué es la puerta de Tannhäuser?

La puerta de Tannhäuser debe estar relacionada con la leyenda de Tannhäuser y la ópera de Wagner inspirada en esta.

Según la historia, Tannhäuser descubrió el Venusberg, es decir, donde vivía Venus, y pasó un año de pecado junto a ella. Después, arrepentido, fue a pedirle el perdón al Papa. Sin embargo, este, muy subidito, le responde que hay más probabilidades de que salgan flores de su báculo. Así que Tannhäuser se vuelve por donde ha venido. Sin embargo, a los tres días unos brotes empiezan a surgir en el báculo, y aunque pontífice intenta contactar con Tannhäuser, este ha vuelto al Venusberg para no volver.

Tal vez se refiera a que el replicante ha conocido las maravillas del universo, que compara con el Venusberg.

emociones-de-replicantes

Análisis filosófico de la frase.

Este texto expresa muchas asuntos filosóficos interesantes al mismo tiempo. Primero, podríamos decir que nos dice que lo más importante no es vivir mucho tiempo, sino ver muchas cosas durante este, que la vida son las experiencias que tenemos, no los años que duremos. Roy Batty está valorando su vida, haciendo un balance general, porque sabe que en unos minutos va a palmar, y determina que valió la pena por lo que vio y vivió.

Al mismo tiempo, nos recuerda que un ser es uno más en una inmensidad, y que las vivencias de cada uno de nosotros, como ocurrió con las de todos los seres anteriores, se perderán en la inmensidad junto con nosotros.

¡Esto ha sido todo! Espero que os haya gustado. ¡Pronto más cosas! Si te ha gustado esto, a lo mejor quieres leer más curiosidades en el blog, o tal vez prefieres ver lo que tenemos de poesía, o los cuentos... ¡o sobre lo que quieras!

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